Questões de Concurso Comentadas sobre artes cênicas

da quebra do terceiro compasso ternário.

da divisão de um compasso de 16 tempos.

da evolução de um compasso de 8 tempos.

da dobra do compasso quaternário.

Breaking.

Jazz.

Krumping.

Dancehall.

Dança Moderna.

Balé.

Barathanatian.

Dança de Salão.

A comédia, dança;

Humor, dança e tragédia;

Tragédia, comédia e sátira;

Sátira e dança;

Plateia.

Ribalta.

Proscênio.

Coxias.

1.V, 2.V, 3.V.

1.F, 2.V, 3.F.

1.F, 2.V, 3.V.

1.V, 2.F, 3.V.

Dança.

Artes Visuais.

Teatro.

Música.

Tomadas.

Cenas.

Fotogramas.

Claquetes.

Proscênio.

Coxias.

Saguão.

Boca de cena.

Apenas II.

Apenas I.

Apenas II e III.

Apenas I e III.

as propostas de Rudolf Laban são eminentemente para a educação e não para o treinamento de dançarinos, segundo afirmações do coreógrafo.

a prática profissional de R.Laban se deu em escolas para crianças e adolescentes. Foram seus discípulos que elaboraram treinamentos para profissionais da dança.

as escolas brasileiras, de matriz escolanovista, acolheram imediatamente as propostas de dança livre e moderna desde os anos 1920, caracterizando a abordagem.

a abordagem para a dança de R. Laban trata apenas das qualidades de movimento e características dos corpos infantis e foi pensada para a educação dessa faixa.

Maria Duschenes, que introduziu a obra de R. Laban ainda nos anos 1940, divulgou as práticas do coreógrafo nos meios educacionais que frequentava.

corpo, sons, texto e ator/atriz.

ação dramática, espaço cênico, personagem e relação palco/plateia.

cenário, iluminação, roteiro e sonoridades.

dramaturgia, atuação, cenografia e figurino.

edifício do teatro, espectadores, atores/atrizes e tempo cênico.

fundamentada na história e teoria teatral com exercícios práticos em sequência.

conjunto de exercícios corporais para a liberação das emoções.

exercícios de atuação em grupo a partir de textos clássicos do teatro ocidental.

método de atuação no qual o ator/atriz/aluno/aluna se transforma na personagem.

técnica, nas oficinas propostas, que fornece problemas para solucionar problemas.

Formação de um círculo de discussão para relembrar as práticas da aula anterior e abordar brevemente os conteúdos a serem trabalhados na aula do dia.

Roda de conversa acerca das temáticas trabalhadas em outras disciplinas em que as crianças estão matriculadas.

Avaliação final com atribuição de nota classificatória A, B, C ou D para o desempenho de cada estudante nos jogos aplicados durante a aula de teatro.

Aplicação de jogos por meio do smartphone de cada estudante, de livre escolha para cada um.

Sessão de vídeos no Youtube para municiar as crianças de parâmetros a serem seguidos nas representações que serão elaboradas a partir dos jogos.

A utilização dos jogos teatrais oportuniza aos educandos a vivência do fazer teatral profissional, a exemplo das grandes companhias teatrais brasileiras.

No formato proposto palco/plateia, não se usam os procedimentos dos jogos de foco, instrução e avaliação, sistematizados por Spolin.

O trabalho com os jogos teatrais, como experiência, provoca os jogadores a relacionar experiências presentes, mas não as passadas.

No desenvolvimento da metodologia improvisacional dos jogos teatrais de Spolin, o professor deve instruir os jogadores a todo momento e registrar o trabalho por fotos e vídeos.

Spolin propõe que o trabalho com os jogos a partir da estrutura dramática contenha o quem (personagem/relacionamento), onde (cenário/ambiente) e o quê (ação).

O ensino de teatro envolve os sujeitos em uma atmosfera de competição, em constante disputa por protagonismo nas produções teatrais escolares.

Os modos de aprender o fazer teatral na escola se constroem no uso de textos teóricos oriundos da Grécia antiga, berço do teatro ocidental.

O jogo teatral pode ser entendido como estrutura mínima para o ensino de teatro, pois mobiliza um saber por intermédio da experiência corpórea e sensível.

As estratégias para o aprendizado de teatro se constroem na ativação de linguagens específicas de expressão corporal.

Pensando em uma didática específica para o teatro, destaca-se o jogo teatral como metodologia para esse ensino, presente exclusivamente nas etapas iniciais da experiência teatral.

No ensino de teatro no ensino médio, não estão previstas demandas que contemplem o acesso dos estudantes a espaços artísticos e a teatro por dificuldade logística.

O elemento fundamental da linguagem teatral é a escrita dramatúrgica, portanto a realização de leituras dramáticas consiste na metodologia de ensino de teatro mais adequada para o ensino médio.

O ensino de teatro no ensino médio não deve admitir uma abordagem que permita a conexão com conhecimentos trazidos pelos estudantes.

A contextualização, a fruição, a apreciação estética e a produção são etapas do ensino de teatro no ensino médio, porém sem compreensão crítica do processo.

Diante da impossibilidade de abordar todos os tipos de teatro existentes a partir dos processos sócio-histórico-culturais da humanidade, a proposta é que os estudos de teatro para o ensino médio se pautem pela representação cênica.

A preparação é composta por aquecimentos (jogos para iniciar a oficina) e desaquecimento (jogos para encerrar a oficina).

O foco é o objetivo do jogo, instrumento para adquirir experiência, e pode ser lido diretamente para a classe.

A descrição diz respeito aos personagens e ao enredo da história a ser encenada.

A instrução consiste em uma série de enunciados a serem lidos por todos os participantes antes do jogo, mas não devem ser falados pelo coordenador no decorrer dessa atividade.

A avaliação é uma atribuição de nota (de 0 a 10) feita pelo coordenador quanto ao desempenho dos jogadores durante o jogo.

Investigar e experimentar as funções teatrais de diretor e de ator, uma vez que outras atribuições, como figurinista, iluminador, sonoplasta, maquiador e cenógrafo, exigem competências que extrapolam o âmbito da educação básica.

Pesquisar e analisar diferentes estilos visuais, contextualizando-os no tempo e no espaço, bem como ampliar o respectivo repertório estético e imagético.

Recorrer a possibilidades vocais e (ou) instrumentais para a expressão musical.

Criar cenas e esquetes teatrais, partindo de processos criativos individuais e coletivos, utilizando figurinos, maquiagens, adereços e objetos diversos, problematizando questões sociais, culturais, étnico-raciais, econômicas, políticas e de gênero.

Analisar e experimentar os elementos constitutivos do movimento, tais como peso, tempo, espaço, fluência, deslocamentos, níveis, formas, direções, ritmo.

É importante que o estágio se estruture na lógica da aplicação do como se faz, oportunizando ao estagiário a utilização dos conteúdos apreendidos durante sua formação.

O conteúdo adquirido em disciplinas práticas ao longo da graduação em teatro/artes cênicas, ligadas ao campo da interpretação e encenação, deve ser replicado sem adaptações no contexto da regência de aula no estágio.

O estágio curricular deve ultrapassar a noção de aplicação de um conjunto de técnicas específicas do conhecimento teatral, sendo o espaço para a imersão do aluno no ambiente escolar, na profissão docente, na prática pedagógica e nos respectivos rituais.

O estágio curricular é o espaço no qual os alunos (em formação) revelam as próprias potencialidades, camuflando possíveis falhas no processo de formação.

O momento do estágio não permite ao aluno compreender os espaços fora da sala de aula como locais possíveis de serem ocupados pela atividade teatral, tais como cursos ou oficinas regulares, pois estes devem ser ministrados unicamente no contexto das aulas do ensino básico formal.