Questões de Concurso Sobre artes visuais

O isopor é o mais indicado para maquetes de edificações, pois sua composição permite a utilização de qualquer tipo de cola ou tinta.

O uso da escala e o tamanho da maquete são determinantes na escolha dos materiais a serem utilizados.

Por se tratar de uma mera representação do objeto imaginado, o uso de escala em uma maquete é dispensável.

Uma maquete deve, obrigatoriamente, obedecer a uma escala que reproduza fielmente as proporções do objeto real e seus detalhes.

Na construção de uma maquete, independentemente do tamanho, é aconselhável o uso dos mesmos materiais e cores a serem utilizados no objeto original.

gráficos ou lineares.

diagramáticos.

matemáticos.

simbólicos.

icônicos.

possui uma estrutura racional, cujas formas geométricas são inadequadas à configuração encontrada no Planalto Central.

apresenta uma configuração arquitetônica subordinada às condições locais, como a paisagem e os recursos materiais disponíveis.

não provocou agressões ou alterações no meio ambiente, característica marcante da arquitetura moderna e contemporânea.

demonstra um planejamento adequado à topografia e vegetação locais e as formas geométricas da cidade conferem um sentido de ordem.

conjugou um planejamento racional das vias e quadras a formas orgânicas e livres dos edifícios como maneira de adequar a arquitetura à natureza.

Tunga e Adriana Varejão.

Romero Brito e José Lins do Rego.

Hélio Oiticica e Almeida Júnior.

Lígia Clark e Victor Brecheret.

Vick Muniz e Mestre Valentim.

Na Era Vargas, o ímpeto revolucionário dos modernistas foi resgatado e valorizado, sobretudo por inspirar a liberdade e a prosperidade tão almejadas pelo Estado Novo.

O panorama político de exaltação à nacionalidade durante o Estado Novo fez com que novos expoentes do Modernismo, entre os quais Djanira, Lígia Pape e Hélio Oiticica, usufruíssem do apoio governamental e contassem, inclusive, com o financiamento estatal para o desenvolvimento de seus trabalhos.

A partir de 1930, surgiram grupos de artistas focados em estudos acerca de novas técnicas, na profissionalização como artista. Eram, em sua maioria, oriundos da classe média, do operariado. Entre esses grupos, destacam-se o Santa Helena, em São Paulo, o Núcleo Bernadelli e o Guanabara, no Rio de Janeiro, e artistas como Rebolo, Volpi, Mário Zanini e Pancetti.

Integrantes da Semana de Arte Moderna, como Tarsila do Amaral, Portinari e Di Cavalcanti, usufruíram de ampla liberdade nesse período, tendo em vista o caráter social de suas obras.

Enquanto a pintura moderna, sobretudo o muralismo de Portinari, gozava do apoio do governo Vargas, segmentos como a música e a arquitetura não apresentaram evolução no período, fato decorrente talvez pela rejeição ao experimentalismo e falta de uma orientação estética nessas duas linguagens.

Além da ânsia pela modernização da arte no país, a Semana de 1922 significou uma tentativa de firmar uma identidade brasileira por meio da valorização dos tipos nacionais e da cultura popular.

Antes mesmo de anunciar o Modernismo na Semana de 1922, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Di Cavalcanti e Oswald de Andrade haviam se dirigido a Paris para, assim como os acadêmicos do século 19, afirmar os cânones da arte predominantes no país.

A realização da Semana de 1922, em São Paulo, foi um provocativo contraponto em relação à cidade então tradicionalista e sem o desenvolvimento urbano característico de outras capitais à época.

Assim como a vanguarda europeia, o Modernismo brasileiro surgiu dotado de forte apelo popular, fato decorrente da própria origem de grande parte dos integrantes da Semana de Arte Moderna de 1922, vindos das classes baixas da sociedade, filhos de operários e camponeses.

Tarsila do Amaral foi a artista que melhor incorporou o espírito modernista brasileiro. Primeira a ter contato com a vanguarda europeia, teve participação fundamental na Semana de Arte Moderna de 1922 e nos movimentos Pau-Brasil, de 1924, e Antropofágico, de 1928.

A técnica do modelado consiste na criação de moldes em argila e gesso para a produção de obras em metal.

O uso de policromia nas esculturas em madeira por artistas barrocos, como Aleijadinho, foi um recurso para aumentar a expressividade das obras e também sanar imperfeições decorrentes dos nós e veios da peça utilizada.

A técnica de cera perdida, por sua simplicidade, é ideal para a produção de esculturas em madeira e argila.

A utilização de instrumentos como buril, brocas e cinzel é específica do trabalho com esculturas em bronze e mármore.

Entre as técnicas comuns aos ateliês, o vazado em bronze é a mais simples e funcional, pois depende unicamente do trabalho isolado do artista para modelar a forma final.

O processo de planejamento e construção de uma escultura é totalmente diferente da elaboração de um desenho, pois acontece explorando elementos e estruturas distintos.

Materiais tradicionais, de maior plasticidade e praticidade no manuseio, como o granito e o bronze, facilitam a construção de obras ricas em detalhes e realismo.

Altos e baixos relevos em paredes e colunas diferenciam-se da escultura por se aproximarem mais do desenho e da pintura e não propiciarem a exploração do espaço tridimensional.

O uso da cor e da luz em uma escultura serve para gerar volume e também reforçar aspectos objetivos e subjetivos da obra, como o realismo ou simbolismo presente.

Embora contribua para a percepção de características como volume, textura e expressão, a escolha do material não interfere na transmissão de sensações como peso em uma escultura.

valorização do artesão e o uso de motivos orgânicos nos objetos elaborados.

desenvolvimento de propostas racionais funcionalistas como norteadoras do design.

enaltecimento ao desenvolvimento da indústria e da sociedade capitalista.

recusa ao apelo estético e aos materiais inovadores oferecidos pela indústria.

retorno ao modelo de produção artesanal medieval e o uso de formas racionais nos objetos.

A exploração das formas sobre as superfícies gera equilíbrio por homogeneidade nas três composições.

A distribuição simétrica dos elementos predomina nas três obras.

Na obra de Tintoretto, predomina o desequilíbrio decorrente da assimetria e da concentração dos pesos visuais na porção esquerda da composição.

Na gravura de Escher, o uso de formas diferenciadas e contrastantes dinamiza a composição, porém desestabiliza a imagem.

As três obras apresentam maneiras diferenciadas para obtenção do equilíbrio visual.

perspectiva oblíqua por Leonardo da Vinci na pintura A última ceia, para distribuir as formas em planos distintos.

a técnica do trompe l’oeil pelos três artistas como recurso para criar ilusão de ótica e propiciar ao observador a sensação de estar diante de um objeto real, tridimensional.

contraste entre claro e escuro por Goya para gerar distinção entre figura e fundo e a sensação de profundidade espacial.

perspectiva linear por Tarsila para propiciar a diminuição das formas e a percepção de distância em sua pintura.

técnica do trompe l’oeil por Tarsila em sua obra para planificar a paisagem.

Cubismo.

Simbolismo.

Fovismo.

Impressionismo.

Realismo.

Os estudos de Newton apontaram para a independência das cores dos corpos em relação à luz solar.

A ilustração da teoria de Newton demonstra que a luz branca decomposta não pode ser recomposta, fato decorrente da absorção dos raios luminosos pelos corpos por eles atingidos.

Embora apresentem divergências, os estudos de Newton e Goethe apresentam convergências ao defenderem a cor luz como única possível e condição essencial para a existência da cor pigmento.

No círculo cromático de Goethe, é possível perceber o fenômeno das cores complementares, demonstrado por meio do contraste de um matiz aos outros imediatamente próximos.

Entre os importantes resultados dos estudos da luz feitos por Newton, podem ser citadas a percepção da variação de grau de refração decorrente do material refrator e a descoberta da coloração dos corpos por meio da assimilação e reflexão dos raios luminosos.

criação da técnica do afresco e da pintura a óleo sobre tela.

descoberta da perspectiva linear e da proporção áurea.

conjugação das perspectivas aérea e linear para aumentar o sentido de realidade física.

estudo da teoria das cores de maneira científica e a eliminação da objetividade figurativa nas pinturas.

desenvolvimento da técnica do esfumado e a criação da tinta acrílica.

dinamismo na composição de Rafael e o predomínio estático na de Rubens.

contraste cromático da primeira representação e a harmonia das cores, luzes e sombras da segunda.

apelo teatral e expressivo na obra de Rafael e a contenção emotiva e expressiva na pintura de Rubens.

distribuição simétrica dos elementos visuais na primeira representação e a assimetria na segunda.

distribuição das formas em planos hierárquicos na composição renascentista e a eliminação da profundidade espacial na barroca.

verificada especificamente nos filmes e câmeras analógicas.

percebida somente por meio dos sensores das câmeras digitais.

determinada pelo índice de sensibilidade dos filmes ou dos sensores das câmeras digitais à luz.

resultante do trabalho com ferramentas como o histograma e as curvas na fotografia digital.

verificada exclusivamente no registro de imagens tridimensionais em ambientes com pouca luz.

capacidade da argila de oferecer várias tonalidades em relação à temperatura e ao tempo de exposição ao calor durante o processo de secagem.

diminuição do volume após a evaporação da água.

aumento do volume da argila com o processo de queima.

estado de consolidação da argila por meio do acréscimo de elementos como areia, óxido de ferro e matéria orgânica.

capacidade da argila de ser modelada pela aplicação de uma força e de conservar a forma adquirida após a retirada forma.

Na litografia, assim como nos demais processos de gravação, a matriz não apresenta característica plana, pois os sulcos gerados pelo encavo inevitavelmente constroem formas em alto e (ou) baixo relevos.

Além da ponta seca e do buril, na calcogravura podem ser utilizados recursos químicos, como a água-forte e água-tinta, para a gravação do desenho da matriz.

A técnica da calcogravura surgiu em meados do século 19 e tornou-se o meio de reprodução de imagens mais adaptado ao sistema industrial.

A versatilidade e a qualidade superior das imagens criadas por meio do linóleo fez com que essa técnica se difundisse durante no início do século 20 e fosse utilizada tanto pela indústria quanto pela mídia impressa.

Embora permita a reprodução de várias cópias de um original, a gravura não elimina o caráter único da obra, uma vez que o valor artístico está somente na matriz.

A litografia consiste na fixação da imagem em uma matriz de pedra por meio de um processo químico que envolve o uso de ácidos e a repelência entre água e óleo.

A técnica do linóleo difere-se das outras técnicas por não utilizar o encavo na confecção da matriz.

Na xilogravura de topo e de fio, o corte da tábua e o encavo sobre a matriz são feitos da mesma maneira, variando somente quanto aos instrumentos utilizados.

Além da incisão sobre a matriz para a construção dos relevos, as quatro técnicas de gravação têm em comum a dependência de prensas para a transposição das imagens para o papel.

A calcogravura e xilogravura são os processos mais simples para a criação de matrizes, pois em ambas a construção dos relevos decorre unicamente de encavos feitos diretamente com hastes de perfuração e corte.

possibilidade do surgimento de personagens e contos da literatura.

essência artística e filosófica de condição da expressão humana

verticalidade corporal, a disciplina , a leveza, a harmonia e simetria.

mistura de elementos culturais afro-brasileiros com fortes características religiosas.

dança caracterizada pelos passos, batidas de pés,e palmas dos dançarinos.